Typography and modern protest.

Embora muitos dos que criam cartazes e faixas para marchas e manifestações possam não se autodenominar designers gráficos, é exatamente isso que se tornam quando colocam letras em cartazes. Cada sinal é um instantâneo de uma história mais ampla, uma mensagem altamente pessoal e que articula os pensamentos de um movimento mais amplo. Eles são criados com raiva e tristeza e destilam exatamente o que é o melhor design: desencadear mudanças.

“Elimine distinções falsas.”

A história e o desenvolvimento das tecnologias de impressão e de fontes desempenharam um papel enorme na definição da forma como os materiais de protesto são feitos e as mensagens disseminadas. Durante a segunda metade do século XX, ferramentas como as impressoras de serigrafia tornaram-se mais amplamente disponíveis do que nunca e ofereceram um cruzamento perfeito entre as artes e o ativismo.

Certos locais ganharam fama ao receber comissões de campanhas acessíveis e de retorno rápido, como o Poster Workshop em Camden Road, Londres, que funcionou de 1968 a 1971. Oferecendo um serviço ambulante para trabalhadores em greve, grupos de direitos civis e movimentos de libertação, como a London Squatters Campaign, o coletivo organizou o workshop com o objetivo de encorajar respostas a uma enxurrada de questões políticas e globais como os direitos dos trabalhadores, os problemas na Irlanda do Norte e a Guerra do Vietnã.

Os estilos de design, bem como os métodos que produzem os designs finais, também fazem parte de uma linhagem histórica. Vejamos os movimentos feministas que ocorreram por volta das décadas de 1960 e 1970: muitas imagens parecem derivar diretamente das comunicações do movimento dos Direitos Civis que ocorreram na mesma época. A artista Lucia Vernarelli usou em suas gravuras um estilo de xilogravura semelhante ao usado por Emory Douglas em seus designs para a Blank Panther Party.

No entanto, para sair da bolha da indústria criativa, não é necessariamente útil usar o rótulo “design” no contexto dos movimentos de protesto de base. A acadêmica Dori Tunstall escreveu extensivamente sobre como os princípios da antropologia do design podem ser aplicados à organização comunitária. Em um ensaio de 2016 publicado no Manual da Organização Feminista da WCCW, ela afirma que é vital que as pessoas “eliminem distinções falsas entre arte, artesanato e design”, a fim de negar as “hierarquias” que conseguem infiltrar-se até mesmo no ativismo comunitário.

De acordo com Tunstall, “o ativismo baseado na arte recebe maior reconhecimento da imprensa e, muitas vezes, mais apoio financeiro” seguido de “ativismo baseado no artesanato… devido à percepção de autenticidade popular”; então, finalmente, “o ativismo baseado no design vem em último lugar, pois é considerado demasiado ‘profissional’ para as bases, mas demasiado ‘de massa’ para a expressão artística.”

Ela salienta que é em grande parte uma parte do discurso europeu que faz tais distinções: Em outras culturas, as pessoas simplesmente fazem coisas sem considerar o que são ou o seu lugar na “luta.”

Democratizando o design: comunidade em vez de “branding”.

Ao longo da última década, assistimos a uma confusão, se não a um desmantelamento quase total, dessas distinções. Desde o advento da tecnologia digital, a democratização das ferramentas de software criativas permitiu que se enraizasse uma abordagem mais centrada na comunidade e não centrada no ego, com os designers criando cada vez mais trabalhos criativos de código aberto ou que podem ser baixados gratuitamente.

Um dos pontos fortes do Movimento da Marcha das Mulheres, por exemplo, é a falta de uma marca ou de uma identidade visual específica na forma como as “grandes agências” as definiriam. O movimento começou nos Estados Unidos no início de 2017, na sequência da tomada de posse de Donald Trump, e desde então tornou-se um ato global de resistência ao presidente americano e aos seus comentários misóginos, incorporando-se ainda mais na sociedade e no governo.

Entre as imagens agora icônicas que surgiram do movimento estão o pôster de Hayley Gilmore “O lugar de uma mulher é na resistência”, com letras em negrito, vermelhas e em letras maiúsculas, e o símbolo “Femme Fists” de Deva Pardue.

Outro ícone que emerge do movimento é a camiseta “Nasty Woman”, da designer autodidata Amanda Brinkman. Seu design usa letras pretas simples para transformar o insulto de “mulher desagradável” de Trump, que ele lançou a Hillary Clinton durante um de seus debates presidenciais de 2016, em um ícone fofo e desafiador em uma camiseta vendida para arrecadar fundos para a Planned Parenthood. “Eu juntei [a frase] a este coração rosa porque achei engraçado e era realmente antitético à declaração”, disse ela à Forbes. Essa coleção de símbolos cria uma pluralidade de “vozes” visuais, permitindo que a Marcha das Mulheres abranja uma ampla família de causas e organizações.

O design para o ativismo assume cada vez mais a forma de ativos de código aberto, criados e divulgados online para qualquer pessoa usar. Um dos exemplos recentes mais famosos é a série de cartazes “We the People” de Shepard Fairey, que visa “combater o poder crescente do nacionalismo, do fanatismo e da intolerância” e é gratuito para todos guardarem e usarem.

“Os designers profissionais se consideram [relinquishing] proprietários ou liberadores dos direitos autorais à medida que percebem o maior impacto que podem ter se deixarem seu trabalho se espalhar – não apenas por meio da tecnologia, mas por meio de protestos”, disse Margaret Cubbage, curadora do Design Museum, ao Eye on Design. “É uma grande mudança e mostra o impacto do design gráfico na divulgação e compartilhamento de uma mensagem. Eles querem que as pessoas realmente o usem.”

Embora a maioria dos materiais de protesto sejam criados de maneiras que estão longe de ser preciosas, montados às pressas, geralmente sem esperar durar mais de uma marcha, a exposição de 2018 do Design Museum, Hope to Nope: Graphics and Politics 2008 a 2018 enquadrou essas peças no contexto incomum de um ambiente de museu firmemente “design”.

Não é novidade que muitas das estrelas do show eram centradas na fonte, como a bandeira do artista Dread Scott em apoio ao movimento Black Lives Matter. A peça reproduz uma bandeira hasteada na sede nacional da organização de direitos civis National Association for the Advancement of Colored People (NAACP) entre 1920 e 1938, para marcar linchamentos de pessoas negras nos EUA. A bandeira de Scott, criada em resposta ao tiroteio policial contra o homem negro desarmado Walter Scott em 2015, usa as mesmas letras brancas, em letras maiúsculas, contrastando com um fundo preto, onde se lê “Um homem foi linchado pela polícia ontem”.

O artista descreveu seu trabalho como tendo uma série de propósitos: destacar o papel dos tiroteios policiais nas últimas décadas que “aterroriza os negros”, assim como os linchamentos fizeram no passado; criar um discurso público em torno de tais ações racistas; e fornecer um símbolo de esperança de mudança.

Embora a exposição tenha destacado as amplas oportunidades que os tipógrafos e designers têm para causar impacto, também abordou as suas limitações. Como disse uma das curadoras da exposição, Lucienne Roberts, da GraphicDesign&, ao Eye on Design em 2018: “Muito do design gráfico apoia o capitalismo, em um sentido amplo, e acho que isso faz com que muitos de nós façamos perguntas sobre o valor do que fazemos. Fazer um trabalho com maior inclinação social nos faz sentir que estamos contribuindo com algo mais significativo e, até certo ponto, isso é verdade.” (É um ponto interessante, satirizado de forma incisiva pelo pôster do Oddly Head, que também aparece no programa, que diz: “Slogans em fontes bonitas não salvarão as raças humanas”.)

As plataformas de partilha social também se tornaram instrumentos essenciais de protesto e são um aspecto crucial da democratização do design no ativismo. O ilustrador e tutor universitário Sam Rowe criou um site simples para as pessoas enviarem seus próprios gráficos de protesto do Black Lives Matter para outros usarem, e também criou sua primeira fonte – uma fonte de exibição chamada Revolt. Anunciada como “uma fonte raivosa para pessoas raivosas”, Rowe pretende que o Revolt seja usado para protestos e marchas, dizendo que “foi concebido e projetado com raiva e deveria ser digitado como tal” e que “racistas, fascistas e outros fornecedores de ódio não podem comprar ou usar essa fonte”. Ela pode ser baixada gratuitamente ou os usuários podem pagar qualquer quantia que desejarem, com todo o dinheiro arrecadado dividido igualmente entre o UKBLM e o National Bail Out Fund.

E, em alguns casos, as próprias fontes podem ser uma forma de ativismo – exemplificado pelo trabalho do Vocal Type. Fundado em 2016 por Tré Seals ao lado de seu estúdio homônimo com sede em Maryland, o Vocal Type nasceu inicialmente da frustração. Seals estava procurando inspiração online para um projeto de identidade e percebeu, mais uma vez, que tudo que via “parecia igual”. Talvez, concluiu ele, isso se devesse à “obsessão dos designers pelos padrões quadriculados e pela perfeição”, mas, na realidade, tudo se resumia em grande parte à homogeneidade racial da indústria.

Analisando as estatísticas, Seals descobriu que apenas 3 a 3,5 por cento de todos os designers atuantes na América são negros. Essa descoberta subitamente fez com que ele compreendesse porque é que uma tal “perspetiva singular”, tanto na abordagem como na estética do design, tem dominado. “A falta de diversidade em termos de raça, etnia e gênero levou à falta de diversidade no pensamento, nos sistemas (como a educação), nas ideias e, o mais importante, nas criações”, diz Seals.

Inspirado ainda mais pelas palavras encorajadoras da Dra. Cheryl D. Holmes-Miller, autora de um artigo da revista PRINT intitulado “Black Designers: Still Missing in Action”, ele começou a criar uma plataforma de fontes não apenas fundada e dirigida criativamente por um homem negro, mas que vendesse fontes inerentemente politizadas.

Em termos gerais, o objetivo do Vocal Type é diversificar o design criando fontes que destacam um pedaço da história de uma raça, etnia ou gênero específico subrrepresentado. Cada lançamento é uma história vital contada através dos blocos de construção mais intrínsecos do design: os formatos das letras. Eles incluem Martin, em homenagem a Martin Luther King; William, em homenagem ao ativista W.E.B. Du Bois; e Ruben, inspirado no movimento Moratória Nacional Chicano, que protestou contra a Guerra do Vietnã. O lançamento mais recente do Vocal é Marsha, em homenagem a Marsha P. Johnson, uma mulher negra transexual que foi uma das figuras mais proeminentes na ascensão de Stonewall de 1969.

Pegue um marcador e comece a escrever.

Hoje, a ampla disponibilidade de ferramentas de design digital significa que é cada vez mais fácil para quem não é designer criar materiais de protesto chamativos. Mas a sinalização manuscrita funciona de maneira poderosa e desempenha uma função diferente do “bom” design gráfico, caracterizado por magia técnica e fontes profissionais e refinadas. Nada captura a paixão e a espontaneidade do protesto como a sinalização feita à mão. Muitas vezes, a urgência por trás de um protesto significa que você só precisa pegar um marcador e começar a escrever e, na maior parte, a tipografia do protesto hoje permanece firmemente no campo manuscrito.

É digno de nota que a escrita à mão mantém um lugar tão poderoso e proeminente no protesto, considerando que o ativismo de hoje existe tanto online como nas ruas, com gráficos e slogans tipográficos proliferando como gifs socialmente partilháveis (e agradavelmente sinalizadores de virtude), cartazes digitais e assim por diante. Como disse o The New York Times, referindo-se às manifestações do Occupy Wall Street de 2011: “dados os papelões escritos à mão que se tornaram a assinatura do movimento Occupy, questionamo-nos se ainda existe um papel para o cartaz na viralização das mensagens atualmente”.

Como salientou Dori Tunstall, essas placas desenhadas à mão não são oficialmente “design”, mas oferecem algumas das mais memoráveis articulações de raiva e esperança que provavelmente veremos em qualquer protesto liderado por civis. Elas também criam um impacto duradouro quando fotografadas: Letras marcantes impressas à mão ou escritas em qualquer coisa que os manifestantes possam encontrar – cartão, papel, seus próprios corpos e rostos ou (em tempos de COVID-19) máscaras faciais – criam imagens poderosas.

Isso é algo que David Holbrook, que fotografou um dos recentes protestos do Black Lives Matter em Londres, pode atestar. Seu olhar é atraído primeiro para as pessoas, diz ele, depois para as mensagens e, em seguida, principalmente para os cartazes que oferecem um certo grau de simetria esteticamente agradável. “Você tem uma certa quantidade de frases de efeito como ‘Silêncio é violência’ e, obviamente, ‘Black Lives Matter’. Placas totalmente feitas à mão mostram instantaneamente que alguém dedicou seu tempo a isso. Elas podem ser muito expressivas.

“O texto em bloco significa que você realmente pode vê-lo”, acrescenta. “Está tudo em letras maiúsculas, quer ser ouvido – você tem a impressão de que essas coisas estão sendo gritadas.”

Escritora Emily Gosling é redatora freelance de arte e design e editora geral da revista Elephant. Ela escreve para publicações incluindo AIGA Eye on Design, Creative Review, e Creative Boom e seu livro sobre o processo criativo, Great Minds Don’t Think Alike, foi publicado pela Ilex Press em 2018.

Imagem da capa: Street Mural, Newark, NJ. Situado em Martin por Vocal Type. Crédito da foto: Isaac Jiménez.